GRAFFITI: Arte Urbano. Parte II

En esta segunda entrada nos centraremos en las características y tipos de graffiti que encontramos en cualquier entorno urbano, completaremos por tanto la información anterior sobre historia y desarrollo. 

El graffiti es una pintada o inscripción netamente urbano, que puede realizarse en multitud de espacios y soportes físicos donde la ciudad además de ser espacio de desarrollo, determina su sentido y propia razón de ser. Por ello podemos aseverar que la primera característica del graffiti es que es una expresión urbana. 

Los grafiteros no suelen firmar sus obras, por lo que habitualmente son anónimas y también espontáneas , ya que en la mayor parte de los casos son obras improvisadas. 

El artista urbano suele ser muy creativo, curiosamente  favorecido por la escasez de medios para la representación, el medio en el que se mueve, algunas veces con un alto grado de marginalidad , y con una naturaleza rebelde propiciada por el mensaje de denuncia social, crítica política, además de su naturaleza de pintada ilegal. 

Otra característica del graffiti es su múltiple interpretación de contenido, es decir, que se presta a lo visible y a interpretar otras aspectos a veces difícilmente apreciables. Además es una obra efímera, su creador es consciente que estas obra quedan permanentemente expuestas a desaparecer, se asume ese rol temporal. 

En cuanto a los diferentes tipos de graffiti mencionaríamos un número extenso por estética, dimensión, estructura e incluso zonas de origen del grafismo. Nos centraremos en  graffitis populares y en aquellos que por su composición y estética mantengan ciertas peculiaridades, destacamos:

Estilo salvaje (wild style), se caracteriza por contener letras y trazos aparentemente desordenados, apareciendo además figuras espirales, circulares o  flechas, siendo este último su elemento más emblemático.
Los Tags se caracterizan por ser obras sencillas que requieren poco tiempo. Su finalidad es dejar sobre la mayor superficie posible la firma del autor. En este tipo de graffiti pueden diferenciarse tres estilos correspondientes a las zonas neoyorquinas más importantes en el desarrollo de este arte, Brooklyn, Brogway y Bronx. El primero se caracteriza por tener las letras separadas y aparecen elementos como corazones, círculos o flechas… El estilo Brogway tiene letras más alargadas, finas y juntas. Por último el estilo Bronx se compone de una combinación de dos estilos. Esta tipología de graffiti puede llevar Outlines, es decir, borde en el entorno de la firma.
Estilo letras burbuja (Bubble Letter), característico por tener letras redondeadas y grandes, siendo un estilo muy sencillo y popular. El Model Pastel , es uno de los estilos más populares, el grafitero busca su propio estilo mediante obras complejas. A diferencia del resto, este estilo busca tridimensionalidad, cambiando el ángulo de las letras y sus colores de relleno, convirtiéndose en un graffiti donde aspectos como el volumen, el color y la estética tenga el mismo peso que el texto.
Los Throw Ups, cuya finalidad era conseguir cantidad de grafismo en detrimento de la calidad de los mismos. Son graffitis donde se crean efectos increíbles en poco tiempo.

Estilo Dirty se caracteriza por su informalidad y gusto por lo estridente, utilizándose colores repelentes, en ocasiones los artistas utilizan estos colores pero con dibujos muy correctos.
El Block Letter, su finalidad es la legibilidad del contenido y su facilidad de interpretación, por lo que se utilizan letras grandes y gruesas, así como rellenos simples.

Podríamos detenernos en más estilos ya que de los anteriormente mencionados, surgen interpretaciones y estéticas similares a estas primeras raíces, el graffiti es un arte urbano que facilita un acceso directo al creador y democratiza la expresión a extremos envidiables por otras técnicas, su evolución ha sido permanente, convirtiéndose en símbolos culturas e iconos de una época.

GRAFFITI: Arte Urbano. Parte I

La palabra Graffiti tiene su origen en la palabra griega Graphein, que en latino derivó a la expresión Grafito. Algunos historiadores ven su origen en la primeras pintadas propagandísticas en la grandes urbes romanas, aunque nos podríamos remontar a tiempos remotos en la pinturas murales, con la salvedad de su intencionalidad y medio expresivo. Esta técnica y forma creativa urbana comienza tal y como la entendemos en los años 60 en la ciudad de Nueva York, donde la cultura hip hop aflora con fuerza, apareciendo las primeras firmas callejeras con pseudónimos que creaban identidades propias en la calle. Al principio no se buscaba una estética o expresión determinada, solo buscaban notoriedad y un predominio cada vez más acentuado en estas grandes urbes. Destacaron en sus comienzos  Taki 183 o Chew 127 entre otros, pero será en la década de los 70 cuando se produzca un verdadero Boom en el Graffiti, surgiendo con ello la necesidad de crear un estilo, cuidar la caligrafía y formalizar incluso el espacio en el que se creaba la forma. 

Cada grafitero optó por la creación de su propio estilo, que no frenaría el amasijo de firmas y letras que hicieran irreconocibles algunos nombres. Por ello surgen "outline" o filete, que determinan unos márgenes reales a las pinturas constituidas en un muro. Se establecen realidades creativas en cada lugar y muro, el grafiti busca una expresión rápida, llamativa y perduradera, que marque diferencias e individualice la creación sobre el resto. Es por ello por lo que prefieren materiales como el aerosol principalmente, aunque también utilizaron tizas, ceras, e incluso materiales de incisión como puntas y cristales. 

En los 70 el grafiti cruza el Atlántico, convirtiéndose en un elemento cultural permanente del paisaje urbano de grandes ciudades europeas como Berlín, donde el muro de separación de dos realidades políticas constituirá el soporte ideológico y expresivo más importante en décadas. 

En otros países como Francia, sobre todo a partir de 1968, el grafito fue más social distanciándose del desarrollado en Nueva York. Ese año fue especial en el movimiento social, con la movilización de universitarios, obreros, campesinos y profesores entre otros, que pedían igual social y daban forma expresiva a esas ideas pintando frases revolucionarias en las paredes de la ciudad. Por estas y otras características es por lo que muchos críticos dividen el grafito en americano y europeo, cambiaba el contexto y sobre todo la finalidad de dos realidades lejanas. 

En la actualidad el grafitti es parte fundamental en la publicidad, y su desarrollo y evolución lo han potenciado como medio artístico esencial en nuestra cultura moderna urbana. 

Hablar del graffiti obliga a mencionar sus problemáticas y contrariedades que trataremos con más detenimiento en la próxima entrada en blog sobre graffiti. Además veremos características y elementos formadores de formas y dibujos. 

COMICS: Arte e historia de un entretenimiento. Parte II

En el pasado texto nos introdujimos brevemente sobre el origen del cómics y su primer desarrollo ilustrativo, en esta segunda entrada hablaremos sobre sus elementos y estructuras, así como de los diferentes géneros ilustrativos. 

Sabemos que el cómic  se compone de imagen y texto, y que este último debe contener el género sobre el que se desea escribir, así como una estructura narrativa donde los personajes se convierten en actores gráficos del relato. El primer elemento sería la viñeta, que no es otra cosa que el cuadro donde se cierra el dibujo y el texto, cuando estos son sucesivos y encadenados determina una acción. En esta viñeta podemos distinguir entre continente y contenido , el primero lo compone las líneas o curvas que delimitan el dibujo, mientras que el contenido se compone de todo elemento interno tales como bocadillos, imágenes y palabras. 

El bocadillo (imagen superior izquierda) se compone de vértice y globo, y pueden variar su forma según el sentimiento que expresen. Otros elementos como la cartelera y el cartucho se utilizan como elemento externo a la viñeta, donde el narrador necesita de este recurso para introducir el mensaje. 

Uno de los recursos de mayor uso y popularidad es la onomatopeya (imagen superior izquierda) , un recurso literario muy utilizado en el cómic para introducir sonidos de una acción en el contenido. 

El cómic como ilustración posee planos que pueden ser generales, entero, medio, detalle y plano, son quizás los elementos más cercanos al cine por su finalidad y tipo, encontrando también distintos ángulos en el posicionamiento de la escena relatado. 

Este genero como toda expresión artística tiene tipos y géneros donde dirigirse a un público determinado, y en cierto modo,  desarrollar una estética determinada. Entre los géneros más destacados :

Cómic de superheroes , con personajes con poderes sobrenaturales , son probablemente los más conocidos de este género por su traslación a la gran pantalla. Destacar las dos grandes factorías DC Comics y Marvel, con personajes como Batman, Superman, X Men… También el Manga consigue introducir series como Sailor Moon de Takeuchi, o Dragon Ball de A. Toriyama.

Cómic de humor, que busca entretener con la acción y el relato escrito, en una faceta de ridiculización de los personajes o la acción. Destacar Calvin y Hobbes de Bill Waters, o Emperador de Paco Alcázar.

Ciencia -ficción, el relato se contempla en tiempo futuro, normalmente en viajes en el tiempo, intergalácticos y planetas desconocidos, destacamos Appleseed de Shirow. 

Cómic infantil, recomendados generalmente a niños, pero también puede ir dirigido a todo tipo de lectores. Podemos destacar obras como la Bruja Madrina de J. Thompson o Bonne de Smith.

Underground, es un género que no utiliza los cánones tradicionales, en muchos casos incluso contravenían esas normal formales del relato. Destacamos autores como Mariscal o R. Crumb. 

El comic erótico ofrece normalmente formas y dibujos más sugerentes, más cercano a la expresión puramente artística, se distancia del cómic pornográfico , donde la escena queda centrada en el propio acto y movimiento sexual de los personajes. Destacamos obras como Tulum de Federico Fellini y Milo Manara. 

En el género de Fantasía y Aventura, se narran todo tipo de aventuras extraordinarias, y se da cabida a personajes de ficción como magos, dragones. Destacamos autores como Hugo de Pratt, Craig Russell o Trondheim. 

Del comic histórico, se aleja del género de ficción ya que se sustenta en la vida de personajes célebres y sucesos históricos, destacamos obras conocidas como Persepolis de Sátrapa, o el último cómic llevado al cine 300 de Frank Miller. 

Por último señalar géneros como la llamada serie negra o el relato bélico, del primero decir que se inspiró en el anterior cine negro, con escenografías propias de la gran pantalla. Destacamos a Frank Miller con su obra Sin City, o Torso de Brian Bendis. En cuanto al cómic bélico se elabora a partir de hechos relacionados con las dos grandes guerras, aunque también relata hechos históricos importantes de otros momentos bélicos. 

Técnica del Pastel: Origen y desarrollo. Parte I

Su origen se sitúa a finales del s. XVI en Italia y Francia, donde tiene un gran desarrollo, alcanzando su época dorada durante el XVII. En sus comienzos la técnica pastel tuvo una finalidad auxiliar o complementaria, es decir, se utilizaba complementariamente a los dibujos para colorear e imprimir vida a las figuras, pero pronto adquirió valor propio, y tuvo un uso independiente. Fue una técnica bien acogida por artistas como su impulsor Perréal, Charles Le Brun, o R. Nanateuil, aunque será en su modalidad de retrato donde alcanzará su cénit histórico, con artistas como Quentin de la Tour, que en el siglo XVIII será conocido como "el príncipe de los pastelistas",  o R. Carriera exponente de obras de envidiable sutileza y elegancia. La técnica mixta con gouache daba a los artista de la época mayores posibilidades técnicas, y permitían en el tiempo una mejor conservación de la obra. 

El pastel como técnica caerá en desuso tras la Revolución francesa, pues se asimilaba como símbolo del Antiguo Régimen, y durante el imperante Neoclasicismo será la técnica al óleo la de mayor difusión entre artistas. La técnica del pastel no volverá a tener la importancia  de siglos anteriores, solo artistas impresionistas destacados como Degas o algunos Nabis utilizaran esta técnica. En otros países tardaría décadas en llegar, llegando a tener tal repercusión, que en países como  EEUU en 1885 surguiría la Society of Painters in Pastel (Sociedad de dibujantes al pastel), como figura destacable Mary Cassatt,  precursora que introdujo la técnica en las principales ciudades del país. 

El pastel pertenece a las llamadas técnicas secas, al igual que el dibujo a lápiz se aplica directamente el material a la base de superficie, consiguiendo colores que reproducen fielmente texturas, matices y luces. A diferencia de técnicas como la acuarela o el óleo , no utiliza disolvente químicos ni acuosos, lo que determina  una técnica rápida y con gran facilidad de corrección. El soporte suele ser un papel de buena calidad, con buen gramaje y media rugosidad, aunque por su versatilidad, el pastel permite utilizar multitud de superficies. Era el medio de moda para pintar retratos, y como apuntábamos con anterioridad era una técnica complementada con mixta de gouache. La pintura al pastel tiene una calidad excelente, se suele tratar con barritas o lápiz , compuestos de pigmento y goma de tragacanto como aglutinante. Con ello se consigue un aspecto aterciopelado, sutil, vivo y atractivo a la retina. Podemos aseverar que de todas las técnicas conocidas, el pastel es la que mayor cantidad de pigmento posee, claro está si partimos de primeras marcas en materiales de calidad, donde el aglutinante es contenido es su justa medida. Como técnica seca carece de sustancia líquidas orgánica, lo que curiosamente corre a favor de la  preservación de estas obras, pues la oxidación es nula, no alterando el posterior aspecto de la pintura, y consiguiendo en el tiempo un aspecto casi inalterable con respecto al inicio. 

Suele ser una técnica sobre base de papel,  lo que requiere su protección en cristal, al igual que la acuarela, el dibujo, o el grabado, el pastel es una materia alterable al desgaste y al tacto, y ofrece un grado de alteración importante por humedad. El uso de cristal lejos de ser un inconveniente, se convierte en un elemento importante en la posterior conservación de la obra. El pastel puede encontrarse en lápiz y barra, y puede variar su dureza, determinando su cubrición y difuminado en el medio, siempre en un soporte poroso y de cierto gramaje. Podemos usar soportes textiles, madera, papel e incluso diferentes cartones, lo que es importante es la estabilidad del soporte, y que posea el mismo una cierta imprimación, en el caso de la madera, que permita fijar el pigmento con mayor calidad. 

En la próximo entrada trataremos ventajas y usos de esta técnica, además de destacar las diferentes marcas y tipos de soportes. 

COMICS: Arte e historia de un entretenimiento. Parte I

 El antecedente histórico del Comic podemos encontrarlo en el Antiguo Egipto, donde a través de dibujos y jeroglíficos representaban su mitología, siempre con el binomio imagen - texto. Otros ejemplos los encontraríamos en el mundo clásico en templos y columnas conmemorativas, también en las civilizaciones precolombinas, en definitiva, en cualquiera de las  expresiones artística donde imagen y relato vaya unido por un contexto o historia, puede considerarse base y antecedente de nuestro cómic moderno. Probablemente el antecedente más cercano a las viñetas como tal lo encontramos en los Aleluyas y Aucas, que en el primer tercio del s. XVIII, nacieron con la finalidad de enseñar a los niños de la época, relatos e historias con pequeños cuentos y aventuras ilustradas, que se editaban a pie de imagen. Existen diferencias con las viñetas convencionales modernas que incluyen el texto y la imagen, ya que están componen todo un cuerpo con el relato, y se mantiene como parte de la estética del dibujo. 

El cómic o historieta ilustrada es considerado un producto cultural de nuestra modernidad industrial y política, que surgió en paralelo a la evolución de la prensa como primer medio de comunicación de masas. Pero su punto de partida se encuentra entre la aparición de la imprenta, en 1446, y de la litografía, en 1789. Hacia finales del s. XIX en Occidente, los periódicos recurrían a diferentes incentivos con el fin de atraer el mayor número de lectores, con la finalidad de controlar el mercado. Con la modernización de los sistemas de impresión, en EEUU consiguieron a partir de 1893, se incluyera una página en color en los suplementos dominicales. Las series germinales fueron historietas como The Yellow Kid, The Katzenjammer Kids  de Rudolph Dirks, y Happy Hooligan de Frederick Burr Opper, todas ellas en la última década del XIX.  Estas sentaron las bases del cómic actual, con las secuencias de imágenes consecutivas para articular un relato, la permanencia de uno o más personajes a lo largo de la serie y la integración del texto en la imagen, con los globos de diálogo. Cabe diferenciar que el cómic narra una historia a través de una sucesión de imágenes, siempre acompañadas de pequeños textos, mientras que la historieta ilustrada puede ser muda, es decir, solo posee imagen. 

Pero la edad de oro del cómic tuvo lugar a mediados del siglo XX, cuando proliferan tiras diarias en prensa, los libros de comic y los primeros superhéroes. Con ello el cómic experimenta una expansión internacional muy rápida, se universaliza el género. 

El comic se caracteriza por una narración rápida,  siendo la secuencia de viñetas consecutiva, con sucesos y descripciones en integración con elementos irónicos y verbales, siempre bajo reglas internas codificadas.  Normalmente se mantiene a un personaje estable a lo largo de la historia, que articula un lenguaje con alocuciones, globos y bocadillos, utilizando un lenguaje coloquial, con frases y expresiones populares, y en ocasiones recursos humorísticos, ironías e hipérboles.  Los elementos narrativos tienen un hilo conductor con una iniciación, un posterior desarrollo, un clímax y un desenlace. Todo con el apoyo creativo de códigos especiales tales como gestos, expresiones, símbolos cinéticos, metáforas, onomatopeyas. Estos elementos se conjugan para crear un arte donde  la imagen y la palabra se sintetizan en un producto narrativo mediante la secuenciación de viñetas.  La elipsis aparece al servicio de ésta última, descartando escenas poco significativas para lo cual se debe recurrir a saltos narrativos pequeños,  o recurrir, en caso contrario, a un texto auxiliar  que explique el salto tempo-espacial.

En definitiva este genero tiene como finalidad entretener, informar y en ocasiones educar, y para ello muchos autores han tratado el cómic desde múltiples temáticas y perspectivas.
En la próxima entrada en blog profundizaremos sobre el género y tipos de comic, así como los materiales usados y novedades del mercado. 

Modelado

Entendemos por modelado  la acción humana de crear imágenes tridimensionales utilizando materiales blandos y maleables.

Las primeras expresiones de modelado y escultura se fijan en período paleolítico, donde se han encontrado vasijas y otros objetos funcionales, con una clara intencionalidad estética y funcional. Pero si hubo un acontecimiento que marcó una verdadera revolución en el tratamiento del material fue el uso del metal,que permitió crear nuevos volúmenes y evolucionar en materiales y fundiciones, prueba de ello las grandes obras de vaciado en bronce de época clásica. . 

En el medievo las figuras responden a fines religiosos y conmemorativos, muchos ven en ello una regresión estética, ya que para el artista lo importante será el mensaje y la figura como instrumento de culto, prevalece el contexto religioso en detrimento a la belleza y la perfección. En el aspecto técnico las figuras pierden realismo y movimiento, volumen y perfección, predomina la talla en madera y la escultura monumental asociada a edificios religiosos. 

En el Renacimiento el artista vuelve al ideal clásico, y en el Barroco se evoluciona hacia un mayor movimiento y efectismo de la figura, en definitiva, se asienta en los siglos venideros creaciones y volúmenes predominantemente figurativos donde la proporción, el volumen y su convivencia con el espacio adquiere una importancia esencial, sobre todo con el academicismo creciente.

En el s. XIX, muchos artistas recogen en sus "tours", experiencias muy valiosas para las posteriores vanguardias, muchos viajeros recogen la estética  y la forma de trabajar de otras culturas.  Estos elementos artísticos de colección pronto se convertirán en verdaderas influencias de las vanguardias artísticas, que acometerán creaciones estéticamente regresivas, pero conceptualmente evolutivas en la historia de la escultura y modelado.

Refiriéndonos específicamente al modelado, podemos decir que tiene una mayor libertad creativa por el uso de materiales blandos y maleables. Permite un control pleno en los procesos de conformación de la pieza, el artista puede casi siempre rectificar y modificar la pieza en ejecución. Es por ello por lo que no suele requerir bocetos o estudios previos, como si ocurre en la escultura, que en casi todos los casos la rectificación es casi imposible.
Entre las disciplinas del modelado podemos considerar:
La orfebrería, la talla en madera, el esgrafiado, la cerámica y el vaciado. Cada una se conforma por unas peculiaridades conferidas no solo por el material que se usa, también por la finalidad que se persigue.

En la actualidad existen en el mercado multitud de materiales para el modelado, entre ellos las plastilinas y arcillas poliméricas, masillas epoxi y  de poliéster, y las clásicas arcillas naturales. Estos nuevos materiales abren un mundo de posibilidades para la creación de todo tipo de formas y figuras.

Aglutinante

Desde que el hombre tiene consciencia de representación utiliza sustancias naturales y minerales para acometer lo visible en su entorno. Aunque esa búsqueda  se mantuviera a lo largo de los siglos, las circunstancias y necesidades del ser humano evolucionaron y cambiaron hacia medios más complejos y útiles. 

Una gran aportación a la historia de la pintura fue la aparición de los aglutinantes, medios o vehículos  necesarios entre las partículas del pigmentos y la superficie a revestir. Ese medio acuoso o gelificado permite la aplicación de la pintura y su mejor adaptación a la superficie, y determina una mejor conservación en el tiempo. Dependiendo de la función específica a desempeñar en su mezcla, deberá tener unas cualidades físicas concretas. Entre ellas, debe proporcionar cohesión a las partículas de pigmentos, y que a través de sus capas se adhiera en el soporte, para ello debe tener cualidades adhesivas y cohesivas, son las que se conocen como cualidades filmógenas.

Además destacar que todo aglutinante debe tener estabilidad, es decir, durante el periodo de aplicación y secado no debe tener alteración alguna. Debe tener propiedades secativas, consiguiendo que el medio pictórico posea dureza y flexibilidad que garantice la perdurabilidad en el tiempo, su paso del medio líquido o semilíquido al sólido, que dará principio al lento envejecimiento pictórico.

El conocimiento de estos materiales como vehículos pictóricos, nos permiten conocer y diferenciar técnicas como el temple, el óleo, las mixtas, y las modernas, entre las que destacamos las acrílicas, con polímeros sintéticos.

El temple fue la técnica pictórica más frecuente para la policromía de talla, pintura mural o en tabla durante el medievo y el renacimiento. En esta técnica el medio aglutinante casi siempre será la yema de huevo disuelta en agua, con al salvedad de la pintura mural, donde el propio aglutinante lo conforma la superficie mural ( hidróxido de calcio + arena). 

El óleo se convertirá tras la Edad Media en la técnica reina, su uso lo generalizó JanVan Eyck a mediados del s. XV, y fueron los pintores posteriores los que aplicaron la técnica con diversas peculiaridades, pero mantuvieron la esencia del material. El óleo se conforma de un aglutinante aceitoso, el más común el aceite de linaza, aunque también se utilizaron aceites más caros como el de nueces. 

Otras técnicas pictóricas de obligado nombramiento son la acuarela y el acrílico, ambas hermanadas por su medio de disolución. La acuarela tiene tantos años como el papel, pero pasará de ser una técnica complementaria y preparatoria, a una disciplina al alza en la actualidad. Fueron diversos artistas británicos tras sus viajes por Europa durante el XVIII " la Gran Tour", los que generalizaron la técnica  por todo el continente.  A diferencia del acrílico, se puede encontrar no solo gelificada, también en pastilla para su posterior disolución, teniendo como aglutinante la goma arábiga. 

El acrílico es otra de las técnicas más prolíficas de nuestro tiempo. Su origen se sitúa en Alemania y EE.UU durante la primera mitad del s. XX, y se desarrolla con un gran éxito en la década de los 60 y 70 por diversos pintores americanos que popularizan su uso. Su medio aglutinante es la emulsión en polímeros, conocido en el mundo comercial por acetato de polivinilo, aunque son múltiples las resinas y medium que se encuentran en el mercado. De este medio dependerá una mejor permanencia en el soporte y su resistencia al tiempo. 

Conocer las características y ventajas  de los materiales que se emplean, se convierte en imprescindible para adecuar nuestras necesidades creativas a un buen resultado, y lo más importante al inicio de una afición o profesión fructífera. 

El papel: Origen y desarrollo

Su origen nos remite a la China del siglo II a. C., donde las primeras unidades producidas eran ejemplares de seda y lino, material que daba poca calidad para la escritura, por lo que se extendieron para otros usos.

Su invención se atribuye a Ts'ai Lun , en el 105 a. C. En esa época era el jefe de los eunucos del Emperador, y estaba al frente de los suministros de la Casa Real. Fue el primero en organizar la producción del papel a gran escala. En una sociedad tan burocrática como la china, la demanda de papel era cada vez mayor, y pronto sería elemento fundamental del desarrollo de la época . La creación del papel supuso una verdadera revolución por ser un material más ligero, muy fácil de transportar y almacenar, sustituyendo a las tradicionales tablillas de maderas y telas de seda. En aquella época, el papel comenzó a ser usado para registrar la escritura, comenzando los primeros métodos de fabricación de papel kozo ( un papel manual de enorme resistencia por su fibra, cuya característica mantienen firme el papel incluso con las más extremas arrugas).

Fue en China durante el siglo IX, donde se generalizó en uso de la fibra de bambú, anticipándose a la pulpa de madera empleada por los fabricantes de papel en Europa, ya en el siglo XVIII. Un siglo más tarde, se emplearon las primeras marcas de agua, para identificar su origen, generalizandose el uso del papel como dinero e impresión. La manufactura del papel se extendió de China a Corea, y en el año 610, el sacerdote coreano Ramjing de Koryo, fue a Japón para brindar asesoría en la producción de pinceles, tinta y papel. Ese fue el comienzo de una seria producción de papel en Japón. 

Siglos más tarde el papel entró por las distintas rutas comerciales del Oeste, cruzó el centro asiático, y para finales del siglo V ya era usado en toda Asia Central. Tras la invasión en territorio chino, la fabricación del papel se extendió hacia el oeste vía Samarkanda. Los fabricantes de papel chinos se vieron forzados a revelar el secreto del arte de fabricar papel, y se estableció su producción en la propia Samarkanda hacia el año 751, usando el abundante lino local y cáñamo para producir un papel de suave y fibrosa apariencia. Años más tarde surgieron fábricas en Bagdad, y de allí al norte de África, donde los árabes lo fueron introduciendo en Europa, con diferentes innovaciones, incluyendo diversas medidas y colores.

Durante la invasión de España en el 711, se establecieron en las nuevas ciudades talleres locales de producción de papel, el primero de ellos, fundado en Córdoba en 1036, seguido una centuria después en ciudades como Játiva. Este papel estaban fabricados con largas fibras de lino y contenían una proporción de almidón similar a la del clásico papel árabe. 

Su extensión por Europa tiene su ejemplo más significativo en Italia, se cree que su entrada se produjo por España o Sicilia con las Cruzadas. La primera referencia sobre producción del papel en Italia, la encontramos en 1275 en el pueblo de Fabriano, aún famoso por sus papeles manuales. Fabriano, fue importante para el desarrollo del papel, por su introducción de papel de trapo, satinado con una cola de gelatina animal, técnica  muy bien recibida por los escribas y que llevó a este papel una mayor aceptación como sustituto del pergamino, ya que permitía a las agudas plumas de ave, trazar libremente sin rasgar la superficie del papel, y que la tinta no penetrara en las fibras, absorbiendo como un secante. La técnica de escritura con pluma, predominante en Europa, en contraste con la escritura caligráfica de pincel llevada a cabo en Asia, vino a definir las diferentes características del papel europeo. Ya en el siglo XIV, Italia aventajó a España y a Damasco en la producción del papel.

Una clara aportación europea a la historia del papel fue la invención del taller de estampado, a través de ruedas hidráulicas. Esta máquina producía e hidrataba muy bien las fibras. Superior a esto los holandeses, produjeron un golpeador, sin embargo algunos de los estampados fueron herrados y esto contamino el papel. La producción fue muy lenta, entrando por el norte hacia el resto de Europa, sobre todo en Francia a mediados del siglo XIV, originándose talleres cerca de Languedoc y Angoulem, que aun pueden encontrarse en forma de Papeteries Moulin du Verger du Puymoyen. 

Las marcas de agua serían famosas en los pliegos de papel, y fueron las primeros en usarse en 1.539.

Las primeras imprentas supondrán un aumento sustancial en el consumo del papel, extendiéndose su uso por todo la geografía mundial. En el s.XIX se introduce el proceso mecánico y químico del papel, que favorece una extensión en su fabricación, y la realización de infinidad de papeles por su textura, tipo, color, formato…

En el s.XX el papel se convirtió en un elemento fundamental en el mundo publicitario y por extensión en el desarrollo comercial global. Hoy día su funcionalidad queda muy limitada por la digitalización documental y la conciencia ecológica de medios, pero el uso de este materia en el medio creativo- artístico sigue siendo creciente, y cada vez más tendente a la especialización.

SUMI-E. 

Es una técnica que tuvo su origen en la antigua China (siglo V), desarrollada durante la dinastía Tang (618-917), donde maestros y sobre todo religiosos se erigieron como sus principales valedores.

Durante la dinastía Song (960-1279) se implantaría como estética y estilo entre las altas esferas sociales chinas, casi siempre cercanas al emperador, y a los monjes budistas, grandes artífices de su difusión posterior. 

A mediados del s.XIII llegaron a Japón budistas chinos con el objetivo de predicar su religión, y serían ellos a través de la meditación y la contemplación de la naturaleza, quienes conformaron las primeras expresiones caligráficas y dibujisticas del conocido como Sumi.  

Este momento fue muy importante para la cultura posterior japonesa, que lo adoptará como parte esencial de la cultura artística e intelectual, y alcanzará durante el período Muromachi sus siglos de Oro. 

Esencia y filosofía del SUMI-E

Se describen cuatro grandes pilares, que representan los cuatro amigos de la naturaleza, estos representan las formas del Universo, formas esenciales en el ideario Zen y de la expresión de Sumi.e. 

El bambú (TAKE), cuyas cualidades representan la humildad, el virtuosismo, la vigorosidad y la permanencia en el tiempo. La hoja del bambú es perenne, permanece en el tiempo. 

La orquídea (RAN), que representa la serenidad de la noche, el aroma y la sensualidad,la sutiliza y  lo femenino. 

Brotes del ciruelo (UME), simboliza el renacer, la fuera de la vida, la primavera.

El crisantemo (KIKU), representa la longevidad, la resistencia a la adversidad y a los externo. Brota en el invierno. 

Aspecto importante en su filosofía será la reflexión y la meditación, la espera, la contemplación, el artista necesita rodearse de armonía y tranquilidad para llevar la expresión al papel. 

En Japón el Sumi evoluciona de la simple representación del objeto o del paisaje, a lo sublime, idealizando 

la suavidad, la ternura y la sensibilidad. 

Materiales 

La tinta se conseguía de unas barritas compuestas de carbón de pino o bambú, y como aglutinante un compuesto de alcanfor y cola. Estas barras se frotaban en movimientos circulares durante varios minutos sobre una piedra porosa lisa para obtener con su mezcla en agua la tinta. 

Con una mezcla acuosa de tinta de más o menos intensidad se conseguirá negros puros o diversos grises. 

Sobre el papel de arroz o similar el artista comienza a pintar a mano alzada, definiendo trazos de diferente anchura e intensidad, donde el pincel juega un papel fundamental, cargando y recorriendo en superficie, un trazo, una expresión. 

En origen los pinceles empleados eran de pelo fino de tejón y oveja, que permitían la suavidad y la carga necesaria en la proyección del dibujo. El material se hacía imprescindible en el Sumi-e, ya que no permitía rectificación alguna, sus trazos se hacen imprescindibles, espontáneos y únicos, siempre en el respeto a los fondos y al espacio, muy importante en el mundo zen, naturaleza y equilibrio. 

Te recomendamos para Sumi-e…

Barras de tinta y color. Pinceles finos de pelo natural o sintético para uso al agua. Paleta de mezcla.

Papel para técnicas húmedas de especial absorción y no excesivo gramaje. 

PIGMENTO :  Fuente del color 

El ser humano ha tenido desde sus inicios la necesidad de expresar a través de lo visible, de lo figurativo, todo cuanto le rodea, y esta exigencia lo ha llevado a utilizar materiales coloreados para un mejor acercamiento a la realidad y su entorno.

Los pigmentos y colorantes han sido extraídos del medio vegetal o mineral, en la actualidad la mayoría de ellos provienen y se elaboran por procedimientos químicos. En la actualidad para el uso del pigmento necesitamos un vehículo líquido y transparente que distribuya homogéneamente las partículas de color, proporcionando cohesión a toda la capa pictórica, además de fijar la materia a la superficie inferior. 

Es importante diferenciar entre pigmentos y colorantes, el pigmento esta compuesto por polvos muy finos, coloreados e insolubles, que al mezclarse con aglutinante forman una pasta más o menos densa, con unas propiedad muy cubrientes. Los colorantes a diferencia de los pigmentos, son sustancias cubrientes, solubles, capaces de transferir su propio color a otros materiales incoloros, bien por absorción o por enlaces químicos entre ellos.
Se suele decir que el pigmento posee color y "cuerpo"y el colorante solo color. 

Según su composición química, los pigmentos se clasifican en orgánicos e inorgánicos. Los primeros están compuestos esencialmente de carbono e hidrogeno, y tiene un origen vegetal o animal. Los inorgánicos son de origen mineral y están constituidos por óxidos, sulfuros, carbonatos…

Para un pigmentos en fundamental poseer tres propiedades fundamentales: 

1. Debe ser insoluble en el aglutinante y en la mayor parte de los disolventes.

2. Tiene que ser químicamente estable, es decir, permanecer invariable y resistente a la disolución y cambios de medio, conservando características cromáticas. 

3. Y debe poseer cierta inercia respecto a sustancias con las que suelen mezclarse. 

Los pigmentos inorgánicos o minerales son menos sensibles a la luz que los orgánicos, que suelen ser más inestables y tendentes a la disolución. Los efectos negativos de la humedad y la luz son permanentes en los pigmentos y colorantes, es por ello por lo que base de color y el aglutinante se hacen imprescindibles en su conservación, no dejando de lado los productos para conservación preventiva, como barnices y lacas, que en pinturas de cierta época, se convierten en elementos fundamentales para la conservación de nuestro patrimonio. 

Los pigmentos tienen una extensa clasificación, en tipos, colores y composiciones químicas, así como interacciones con el aglutinante, que nos cambia la técnica según medio. 

Por ello debemos de tener en cuenta en su compra:

Composiciones químicas

Origen: natural o sintético.

Período de empleo

Tonos y matices del color. 

Estabilidad o resistencia a los agentes químicos y atmosféricos

Incompatibilidades con otros pigmentos o aglutinantes.

Ahora bien, dependiendo el medio en el que se disuelva el color (pigmentos o anilinas), tenemos el uso de una técnica u otra, detallamos las más importantes:

Si el pigmento o anilinas, lo aglutinamos con diversos aceites como linaza, nueces, y otros derivados, oleosos,  obtendremos  - óleo -
Si este aglutinante oleoso es sustituido por acetatos de polivinilo, el resultado sería un producto acrílico. En cambio, si esa base de pigmento o color se mezcla con goma arábiga, podemos obtener acuarela en sus dos medios, sólido (en secado) o gelificado. Estas son las técnicas reinas en uso, pero a lo largo de la historia se han utilizado técnicas como el temple, sobre todo como técnica mural, y pintura en tabla (hasta la aparición del óleo), donde el aglutinante preferentemente era el huevo, o la cola de pez, aunque con el tiempo se han utilizado otros materiales como la caseína o la glicerina.
Por último la encaústica , ya utilizada por los  antiguos egipcios su composición se conformaba por pigmento de origen vegetal y mineral, y lo  mezclaban con cera virgen de abeja, sustancia que daba consistencia a la masa pictórica y fijaba el color.


" El color es la sensibilidad en forma material, la materia en su estado primordial" . Ives Klein